Bien Nuestro

Bien Nuestro

Por Toni Ferreiro

Cuando las tardes de verano no bajan de 30 grados, unos disfrutan de alguna pileta, otros hacen planes a la sombra y otros se apasionan con la música.

Nos acercamos hasta el antiguo bar El Cuco, para ver y escuchar a Bien De Pueblo, una banda de folklore que le pone pasión a un amplio y rico repertorio del cancionero popular argentino.

Las gastadas paredes del viejo bar y algunos árboles nos regalan su sombra y el patio se transforma en sala de ensayo. Los cables se conectan y las primeras zambas y chacareras se dejan oír.

Podría ser Santiago del Estero, Santa Fe, Jujuy, Salta, o cualquier pueblo del amplio y hermoso territorio del país. Es Baigorrita.
A José Romegio en voz, Emiliano Velasco en bajo y Claudio Lenizza en bombo, se le suman las guitarras de Carlos Coki Gennaro, el santafesino Mario Benjamín Loto y Jorge Minnozzi, para darle forma a Bien De Pueblo.

Con canciones de Alfredo Avalos, Los Manseros Santiagueños, Cuti y Roberto Carabajal, Mario Arnedo Gallo, Horacio Guaraní y varios más, la banda se prepara para dar dos presentaciones en febrero, si la pandemia lo permite.

Cuando la noche ya era un hecho y el repaso del variado repertorio llegaba a su fin, se enciende una tenue luz para dar lugar al descanso.

Mientras desenchufan los cables, los amigos músicos comparten risas, anécdotas, cigarrillos y comentarios sobre los temas. Nosotros seguimos pensando que podría ser cualquier lugar del país, pero las históricas paredes del viejo Cuco nos dicen que son de acá, bien nuestros, Bien De Pueblo.

Sociedades líquidas

Sociedades líquidas

Sociedades líquidas

by Alejandro Miguel / Andrés Russo

Sociedades líquidas

Sociedad liquida en aferramiento
Somos un sistema de aferramiento
Sociedad liquida actual en líquido pantanoso
Nos va endureciendo en algunos lugares que no están buenos
Incorporar al nuestro pensamiento que somos partes de un fenómenos nuevo
No tenemos claro si la información que va a venir es real
Pero estamos educados en el paradigma anterior donde creemos la información que nos dicen

Nosotros creemos en la información, por más que seamos críticos
Y mañana no nos va a informar cómo nos informaba cuando construimos cosas
Hay un paradigma nuevo con mentes de paradigma viejo
Sabemos que está pasando eso, y con eso por ahora es suficiente

Suspender el juicio también es una opción valida
Porque el juego es expedirse automáticamente
Ralentizar nuestra capacidad de juicio
Habitar la incertidumbre
La idea es que no nos desespere la incertidumbre
No se puede vivir una vida con domicilio en la incertidumbre
En el mundo de la poesía toda imagen es valida
Pero no estamos yendo a buscar a los poetas
Este año fuimos a buscar a los científicos
A pesar de todo podemos direccionar la atención
Direccionemos la atención a lo que nos gusta
Por más que nos llame lo que sucede
Volvamos la atención a lo que nos gusta y deseamos
La voluntad que se apresura es lo que nos lleva a juzgar mal
La sociedad posmoderna tiene más que ver con el fragmento más que la certeza
Pero uno tiene que tomar las riendas de su propia inteligencia
El juicio se convirtió en una fibra óptica por el que viajan estímulos equivocados
Que hacen daño. Y se transmite a una velocidad instantánea
Si el juicio equivocado va a una velocidad vertiginosa tenemos pocas posibilidades de intervenir en la cadena para poder virar la dirección
Algunos proponen direccionemos este problema que tenemos en ayudar al otro
Y ahí rompemos esta cadena
Porque es un movimiento más complejo y más lento
Más noble
Más inteligente
Y más maduro

Alejandro Miguel y Andrés Russo

“Cuando estamos a la intemperie nuestra seguridad es seguir lo que uno siente”

“Cuando estamos a la intemperie nuestra seguridad es seguir lo que uno siente”

Inaugurando la sección de entrevistas de #EnelAire, Andrés Russo dialogó con Ludovico Fonda, director de la obra La intemperie es siempre que se estrena en Junín el sábado 23 de enero a las 21hs en la Casa del Pueblo, luego de su itinerario por Lincoln.

La intemperie es hoy cuenta como “incluso, en el mayor de los confort, uno puede estar en contacto con la muerte, la intemperie total que es siempre”.  Las seguridades que se encuentran en materialidades, “cachivaches que no debieran hacernos olvidar nunca que estamos a la intemperie, con lo puesto; pero que paralelamente, se despiertan otras seguridades como respetar a rajatabla lo que uno siente de verdad, algo muy fácil de decir, pero complejísimo de cumplir”.

La obra tuvo su itinerario por Lincoln en espacios alternativos, comenzando un garage para finalizar el recorrido en el espacio público. En un contexto de pandemia, donde la actividad cultural ha sido la más postergada por las autoridades, Ludovico Fonda reflexiona que “la reconstrucción de lo material en la cultura, si no viene de un amor y una inercia, no tiene mucho sentido”.

La invitación está hecha, para este sábado 23 de enero, desde las 21hs en la Casa del Pueblo (Pellegrini 74), respetando los protocolos y con reservas al 2355 69-2743

Ficha técnica
  • Compañía: Doce vigilias
  • Obra: La intemperie es hoy
  • Duración: 80 minutos
  • Sinopsis: Un hombre, escuchando voces internas, profundas y libertarias, convierte lo intangible en una acción que lo llevará a un cambio radical de vida. Una vecina es testigo de esa acción que llenará de preguntas y ansias de libertad su propia existencia.
  • Elenco: 
  • Minerva: Marcia Giménez
  • Renzo: Ezequiel Tujage
  • Relator y músico: Ludovico Fonda
  • Dirección: Ludovico Fonda
  • Dramaturgia: Ludovico Fonda
  • Arte: Walter Pena
  • Diseño Gráfico: Agustín Luisi
  • Escenografía: Agustín Luisi
  • Vestuario: Gilda Ferrar
Crota en el aire

Crota en el aire

Los espacios culturales autogestivos, muchos de ellos de gestión comunitaria, deben dividir sus tareas entre el sostenimiento de sus sedes, la gestión de los espectáculos, la articulación con artistas y, además la difusión de sus actividades para que el público llegue. La tarea de la comunicación, si pensamos en la industria cultural, es terciarizada en consultoras y profesionales que standarizan una marcan y, partiendo del concepto de clientela, buscan captar la atención.

Bueno, qué sucede cuando la cultura, si bien busca ser sustentable, es pensaba como una dimensión de la vida comunitaria, de la expresión y de una institucionalidad que aún no se ha cristalizado, como la democracia participativa y popular. De qué manera va construyendo su vinculo con la comunidad, configura un público y se visibiliza al resto de la sociedad con una identidad propia.

Estas experiencias de arte y cultura independiente, encuentran en redes sociales y cadenas de mensajes por celular las vías de llegada a un sector de nuestras comunidades. Sin embargo, estas arquitecturas de datos, pensadas para sostenerse con el pago por publicidad, establecen reglas y algoritmos que en el tiempo enfrascan a estas iniciativas en segmentos de públicos y difícilmente trascienden al resto de la sociedad. Tratando de quebrar esta tendencia y fortalecer la identidad del arte y la cultura comunitaria, autogestiva e independiente, nació CROTA, la agenda cultural que estaba faltando en Junín.

CROTA no se trata solamente de acompañar la difusión de las actividades, sino también de conocer esos emprendimientos que buscan otra relación con sus clientes, con el desarrollo local, y justamente, acompañan y promocionan la cultura de Junín y la región. En tiempo donde el aislamiento afecta tanto a la actividad económica, y los artistas no pueden realizar su arte, la creación se reinventa en pantallas y redes sociales, y CROTA también. Querés saber cómo… escucha el Podcast con Fede Villa

La crianza desde una perspectiva cultural

La crianza desde una perspectiva cultural

Poner la crianza en agenda es hacerse cargo de que las transformaciones históricas, formateadas por la constante tensión de las relaciones de poder. La puericultura, en tiempos de individualismo y consumo como norma de vida, es una militancia nacida de la empatía. Repensar los tradicionales roles de padre y madre desestructurados por la sociedad actual, pero que necesariamente deben abordarse desde el concepto de equipo familiar. La incorporación de la mujer al mundo del trabajo, la precarización laboral, el ensamble familiar no ha cambiado una estadística que indica mayoritariamente al varón como acompañante de la mujer.

Estas transformaciones atraviesan los procesos de crianza, y desde la puericultura podemos abordarlos desde una mirada integradora, que incluya no sólo al rol de la mujer, clave en la lactancia, sino de todo el equipo familiar. Comenzamos, entonces, este itinerario con Celeste Fresedo, nuestra peuricultora de cabecera

Historia de la Música

Una producción de estudiantes del Conservatorio Juan Pérez Cruz de Junín

A lo largo de la historia, el ser humano ha trazado caminos en pos de alcanzar la perfección tanto en las artes como en otras diversas áreas. En el caso de la música, durante el siglo XX se buscó dominar todos los elementos existentes para conjugarlos dentro de una misma obra musical. De esta manera, a nuestra mano han llegado partituras en donde no quedan librada al azar ninguna posibilidad. Indicaciones de tempo, articulaciones, dinámica, modos de ejecución y demás están plasmados en la partitura, asegurándose que el compositor, que el intérprete, tal vez, al otro lado del mundo, ejecute la pieza tal como él la imaginó.

Bajo esta nueva concepción de la música, donde nada escapa al control de la partitura, se desprenden dos misiones. Por un lado, la seguridad de interpretar en exacta medida todas las indicaciones del compositor y alcanzar de esta manera una perfecta interpretación. Por otro lado, el hecho de tener ante los ojos una partitura que no ofrece ninguna posibilidad de cambio o interpretación, nos sumerge en un cambio aburrido y predecible. Se terminan las sorpresas tanto para el ejecutante como para el público. Como modo de contrarrestar esta restricción, nace en 1950 la Música Aleatoria o de Azar.

Una de las grandes revoluciones que genera, es la de poner al intérprete en el rol principal. Es él quien decide la estructura de la obra, y no sólo eso, sino que tiene la autoridad de regular cada elemento de la partitura. Uno de los precursores del movimiento fue John Cage, en sus obras, la indeterminación es el factor principal y la libertad del compositor, muy reducida. Afirmó, en cierta ocasión, que le gustaría que sus obras abiertas no se considerasen nunca acabadas, aunque cada ejecución tenga, naturalmente, carácter definitivo.

Una obra significativa de Cage es Música de cambios, en la que tiraba monedas, y utilizaba los resultados para elegir configuraciones del I’ Ching (un libro oráculos chinos) que a su vez conducía a la elección de alturas, duraciones, dinámicas, entre otros.

Otro compositor prolífico, que también ha implementado esta técnica, es Leo Brouwer. Se destaca la obra Tarantos, para guitarra. En su ejecución, el intérprete deberá elegir entre dos grupos de elementos: enunciados y facetas. El orden para ejecutarlos, es completamente aleatorio, así como también todo elemento que no esté enunciado en la obra. Dado que son seis elementos, en cada grupo, el intérprete puede lanzar un dado y así ordenarlos para su ejecución, obteniendo cada vez, una nueva pieza.

Viajaremos en el tiempo, hacia finales de los años ’40. Acaba de terminar la Segunda Guerra Mundial, Europa se estaba reconstruyendo, y a la par, surgen avances tecnológicos que repercutían en la música y la aparición de nuevas corrientes.

En 1948, a partir de una serie de investigaciones del ingeniero Pierre Schaeffer, nació lo que él mismo denominó, Música Concreta, producida por el sonido de cualquier objeto por ejemplo: clavos cayéndo sobre una fuente metálica, agua fluyendo de una canilla, una puerta al cerrarse.

Un antecedente se registra con el pintor y compositor futurista Luigi Russolo, considerado el primer compositor de música experimental cuando en 1913 creó la máquina generadora de ruidos Intonarumori.

El uso de cintas magnetofónicas permitió nuevas variables, entre ellas, la superposición de sonidos, la reproducción sucesiva de dos cintas idénticas, la edición de trozos de cinta cortados y pegados en un nuevo orden, los cambios de velocidad en la reproducción y la reproducción invertida.

Otros compositores de esta música fueron Pierre Henry, Iannis Xenakis, Edgar Varese y Krzysztof Penderecki. Este último, autor de muchas obras orquestales en las que desarrollo un estilo muy novedoso y sorprendente, utilizando efectos de instrumentos de cuerda, voces humanas y también varios tipos de ruido.

Este movimiento surge en la decada del ’60 en Estados Unidos, en contraposición al Serialismo Europeo. Supuso un regreso a la tonalidad, contrario al dodecafonismo impulsado por el Serialismo.

El Minimalismo es armónico y melódico, se basa en cambios muy lentos, casi imperceptibles en las frases musicales. Da la impresión de que las notas se repiten una y otra vez hasta el infinito. La duración de las obras puede extenderse desde los 10 minutos hasta las 5 horas.

Es de vital importancia la influencia de la música oriental. Cuando escuchemos obras Minimalistas, nos va a dar la sensación de que estamos escuchando un mantra para meditar o hacer yoga. Otras característica de la música minimalista son:

Armonía estática, es decir, la tendencia a permanecer en un mismo acorde

Instrumentación estática, lo que no quiere decir que se utilice un sólo instrumento, sino que varios instrumentos participan por igual en la obra.

Inexistencia de instrumentos principales, cada intérprete puede salir y volver a entrar en la obra cuando desee.

Ritmo estático

Repetición de breves motivos

Además de estas características puras y exclusivamente musicales, se utilizan los avances tecnológicos de la época, como lux, samples y sintetizadores. Los principales exponentes del género son estadounidenses: La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich y Phillip Glass.

Es un metodo de composición que surge en el siglo XX con el austríaco Anton (von) Webern. Su obra se caracteriza por las composiciones de corta duración como Seis bagatelas.
Aunque el Serialismo Integral es exclusivo de compositores de madurez, tras la Segunda Guerra Mundial, las primeras obras son fruto de un artistas de la anterior generación, Olivier Messiaen. El francés creó una forma de componer rigurosa y objetiva, que refleja su tendencia a tratar las características individuales del sonido músical. De ahí nace el Serialismo Integral, generado en la Escuela de Darmstadt, en Alemania. Entre sus compositores sobresalen el alemán Stockhausen y el francés Pierre Boulez.

El metodo de composición consiste en asignar a cada nota musical un color y un número, el color delimitará la altura musical de cada nota, y el número determinará su duración. Por ejemplo, 1 naranja, 2 marrón, 3 violeta, 4 verde, 5 azul. Imaginemos que estamos componiendo una obra y al principio colocamos: 1 naranja, 4 verde y 5 azul, y eso sería la obra. No importa el orden, se repetirá aleatoreamente pero el número y el color jamás van a cambiar, serán siempre los mismos.

Micro, es una división, algo chico, una palabra ya conocido. Pero para quien no sabe de música ¿qué es tonal?. Nos proponen idea… partir de lo que a cada uno le surge de la palabra tonalismo.

Por ejemplo, si elegimos a los números, y hacemos de cuenta que usamos dos números, 1 y 2\. El número 2 es el doble del 1 y el 1 es la unidad más pequeña que tenemos. Si lo pensamos así, el 2 podría ser el “tono” y el 1 el “semitono”, en términos musicales. Pero que pasa, si investigamos un poco más y vemos que también existe el número “0,5”, y quiero que eso “suene”. A la medida más chica, el 1, hago algo más chico, algo “micro”.

Otro ejemplo, es pensarlo con monedas. Si hacemos música con monedas de 1 peso y de 50 centavos. La moneda de 1 peso es el tono, los 50 centavos son la mitad, sería el semitono. Pero de repente, en otro lugar, se hace música monedas de 10 o de 5 centavos. El microtonalismo, sería una tendencia que trata de usar esas monedas.

Un tercer ejemplo, si andan con ganas de algo dulce. Imagínense una torta, que partimos en dos porciones y la repartimos entre dos personas. Pero, ¿cuál es el problema?, un tercero quiere comer también, entonces, hay que volver a dividirla en tres partes iguales. Esa nueva forma de cortar la torta, es lo que en música se llama microtanalidad.

Cabe aclarar, que el tono denomina la “altura” del sonido, si es más grave o más agudo.

La Música Microtonal, si bien no tuvo mucho auge, tiene más de un siglo de uso, de varias maneras. Sólo se aplica en el estudio académico, o bien en la experimentación musical. Algunas bandas suelen utilizarlo puntualmente, pero no es algo tan común.

Para el microtonalismo, se necesita instrumentos que puedan hacer microtonos, como un arpa afinada con microtonos, en el violín o el piano, que puede adaptarse. La guitarra, tal y como la conocemos no puede utilizarse para el microtonalismo.

Los compositores más conocidos lo han abordado de forma teórica, y los primeros compositores, más que música, desarrollaron ensayos. Los compositores que sí plasmaron música, arrancan con Julián Carrillo, a finales del Siglo XIX y principios del XX, que además de componer, construía instrumentos microtonales.

La figura de Alois Hába, músico que checo que basó toda su carrera en el microtonalismo, es el artista más representativo. Compuso lo más destacado y conocido de la música microtonal.

Artistas actuales para conocer, te recomendamos Planet Microjam.

https://www.berklee.edu/focused/planet-microjam-institute